Las 15 películas del siglo XXI con mejor fotografía

Muchos son los críticos que han afirmado que en la actualidad, la calidad del cine no alcanza a los grandes clásicos. La producción cinematográfica se ha triplicado como poco y la calidad de muchas de las películas que se estrenan cada año en los cines no alcanza el nivel suficiente como para convertirse en uno de los clásicos que formarán parte del la historia del cine. 

La dirección de fotografía puede pasar desapercibida por los espectadores, pero es la base de toda película de calidad. Con ella se organiza nuestra manera de ver y entender el cine, indicándonos inconscientemente dónde debemos mirar para entender qué nos quieren contar. Una calidad visual que consigue que ver cine se convierta en una experiencia sensorial.

Nosotros hemos decidido seleccionar 15 de esas 100 películas que podrían ganar con los ojos cerrados el Oscar a Mejor Fotografía.

1. ¡Olvídate de mí! (Michel Gondry, 2004)

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La película se centraba en cómo Joel Barish (Jim Carrey) borraba de su memoria a Clementine Kruczynski (Kate Winslet). La importancia del color y los planos para pasar de un recuerdo a otro en la memoria de Joel conseguía hacer que la película alcanzase un nivel de calidad que le ha convertido, junto con su guión, en una de las mejores películas de romance y ciencia ficción. La directora de fotografía encargada de conseguirlo fue Ellen Kuras.

2. El gran hotel Budapest (Wes Anderson, 2014)

The Grand Budapest Hotel

Las películas de Wes Anderson suelen ser claros ejemplos de estudio para aquellos que les interesa la fotografía del cine. Y es que el director busca siempre que sus películas rezumen color y que, en la composición de los planos, reine la simetría. Un atractivo visual que consiguió Robert Yeoman en su última película.

3. Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003)

El uso de la sutil y luz natural y los colores pastel son las características del cine de Sofia Coppola que consiguieron reforzar el sintiendo de melancolía y soledad en una ciudad tan colorida como Japón en Lost in Translation. En general, el cine e Coppola utiliza los aspectos visuales, los colores, la luz e incluso el tipo de movimientos de la cámara para expresar sin palabras el mundo interno de los personajes. en el caso de Lost in translation fue Lance Acord quien se encargó de darle forma al mundo de Coppola

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4. Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

mulholland drive

La que fue considerada por los críticos de la BBC como la mejor película de lo que llevamos de siglo cuenta también con una de las mejores puestas en escena. A las órdenes de uno de los grandes autores de cine, Peter Deming se encargó de dar forma a la idea que Lynch tenía para esta película especialmente a través del uso de las sombras.

5. Her (Spike Jonze, 2013)

HER

Her pretendía llegar al espectador de manera sensorial, algo que consiguió tanto a nivel visual como a nivel auditivo. El director de fotografía, Hoyte van Hoytema, que quiso captar la intimidad de la relación entre los personajes, Theodore Twombly y Samantha. Una relación casi de inocencia que representó especialmente a través del uso de la luz y de unos amplios planos que representase la soledad física del protagonista. 

6. Memento (Christopher Nolan, 2000)

MEMENTO

El trabajo de Wally Pfister, el director de fotografía de Memento, es considerada una obra de arte. El uso del color, especialmente del azul, asociado al frío, la tristeza y la verdad, contrasta con el blanco y negro, así como planos desde un punto de vista objetivo que da a la película una calidad superior. 

7. Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2011)

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Uno de los mayores clásicos del cine francés que conquistó a miles de espectadores, no sólo por la inocencia del personaje, sino por la poderosa fotografía. Bruno Delbonnel fue el encargado de que la película fuese una explosión de color o el desequilibrio de ciertos planos, perfecto para representar el mundo interior de la protagonista, que vive más en su imaginación que en la realidad.

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8. Sólo los amantes sobreviven (Jim Jarmusch, 2013)

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La película de Jarmusch consiguió dar un nuevo toque a la imagen distorsionada de los vampiros que había recreado Crepúsculo. De nuevo rescatando el reinado de las sombras y los tonos oscuros, el uso de la luz y de los colores dorados, especialmente, recreaban la majestuosidad de aquellos que no mueren. Y todo gracias al trabajo de Yorick Le Saux.

9. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

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Manuel Alberto Claro se encargó de trabajar con el director Lars von Trier para crear un universo de tristeza de la forma más poética posible. La iluminación suave, intensificada de manera casi dramática cuando se pretende mostrar el interior de la protagonista, combina con unos planos llenos de simbolismo.

10. Deseando amar (Wong Kar-wai, 2000)

in the mood for love

La película china tiene una de las mejores fotografías del cine actual. El uso de las sombras refuerza el simbolismo y la situación en la que los dos personajes se encuentran tras sospechar sobre la infidelidad de sus respectivas parejas. Christopher Doyle y Mark Li Ping-Bing fueron los encargados de crear esta obra maestra visual. 

11. Requiem for a Dream (Darren Aronofsky, 2000)

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Matthew Libatique se encargó de crear una de las películas con un mayor impacto emocional en los espectadores. El uso de las diferentes técnicas como las pantallas divididas, los paneos de cámara consiguió que la audiencia se encerrase en los personajes y en las situaciones que le rodeaban. 

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12.  Oldboy (Park Chan-wook, 2003)

oldboy

Quizá una de las películas asiáticas más famosas que incluso ha obtenido un remake americano. Sin embargo, una de las grandes cualidades del film recae en la magistral fotografía que la caracteriza. El director de fotografía Chung Chung-Hoon creó una composición de imágenes que se basaba en la repetición de planos y de simbolismo para añadir así una profundidad emocional en una película donde reinaba la obsesión y la venganza. 

13. La vida de Adèle (Abdellatif Kechiche, 2013)

blue is the warmest color

Aclamada por la crítica, la película se ganó el interés también por la intensidad de su fotografía de la mano de Sofian El Fani. El color azul como centro alrededor del cual gira toda la historia, consigue trasmitir el dolor y arrepentimiento, así como se convierte en el color del amor, sustituyendo al clásico rojo. 

14. 12 años de esclavitud (Steve McQueen, 2013)

jj

Sean Bobbitt se encargó de la fotografía de esta película que, a través de la misma, consiguió intensificar la emotividad de la historia y de las vidas de los protagonistas. Así, el director de fotografía consiguió yuxtaponer la violencia y la belleza en los planos de una película de Oscar.

15. Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012)

Moonrise Kingdom - Wes Anderson

Robert Yeoman empleó luz natural en la gran mayoría de las escenas de Moonrise Kingdom con el objetivo de alcanzar el tono de calidez que reina en todos los planos. Además, la simetría caracteriza toda la película, haciendo que el espectador centrase su atención en lo que Wes Anderson quería.

Fotos: IMDB y Giphy.

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